19世纪学院派和印象派为主的经典世界名画欣赏(3)
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2024-01-17
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19世纪中期是现实主义美术蓬勃兴旺的时期。法国画家库尔贝是现实主义的倡导者,他的代表作《奥南的葬礼》堪称绘画中的人间喜剧,而《石工》则深刻揭示了社会的矛盾,表现了作者对劳动人民的同情。勤劳朴实的农民画家米勒,以醇厚真挚的感情歌颂了辛勤劳作的农民。
政治讽刺画家杜米埃创作了大量思想深刻而形象夸张的石版画和油画。德国女版画家柯勒惠支,以社会民主主义思想和鲜明的个人风格创作了反映工人运动和农民革命的系列铜版画和石版画。俄罗斯的批判现实主义产生了列宾、苏里科夫等杰出画家。法国雕塑大师罗丹的作品也具有一定的现实主义特质。
19世纪后期在法国产生了印象派。此派绘画以创新的姿态出现,它反对当时已经陈腐的古典学院派的艺术观念和法则,受到现代光学和色彩学的启示,注重在绘画中表现光的效果。代表画家有马奈、莫奈、雷诺阿、德加、毕沙罗、西斯莱等。
继印象派之后还出现了新印象派(代表画家是修拉和西涅克)和后印象派(代表画家是塞尚、梵高和高更)。而实际上后印象派与印象派在艺术主张上并不相同,甚至完全相反。其中梵高的绘画着力于表现自己强烈的情感,色彩明亮、线条奔放。高更的画多具有象征性的寓意、装饰性的线条和色彩。塞尚的绘画则追求几何性的形体结构,他因而被尊称为现代艺术之父。
巴黎蒙特戈依街道,1878年6月30日节日
(The Rue Montorgueil in Paris. Celebration of June 30, 1878)
克劳德·莫奈(Claude Monet)
1878年
法国巴黎,奥赛美术馆
阳光照耀下鲁昂大教堂的西面(Rouen Cathedral, West Faade, Sunlight)
克劳德·莫奈(Claude Monet)
1894年
美国华盛顿,美国国家美术馆
日本桥和睡莲池(The Japanese Footbridge and the Water Lily Pool, Giverny)
克劳德·莫奈(Claude Monet)
1899年
英国伦敦,英国国家美术馆
克劳德·莫奈(Claude Monet,18401926),法国画家,印象派代表人物和创始人之一。是印象主义大师中最有影响的一位。在有代表性的印象派画家中,唯有莫奈以其86岁的漫长人生始终如一地将创作热情倾注在印象派技法上。其他的印象派画家,都是短期的探索者。比如虽然没有参加过印象派8次画展却被视为印象派的领袖和奠基人的画家马奈。再比如擅长于画人物的雷诺阿在他的艺术人生中,前期和后期是从事印象派探索时期,中间十几年的时间里,则将热情转向了古典主义。
莫奈展出的第一批12张睡莲池塘作品,当时作品中还有日本式的小桥,它从苍翠遮天的树丛中拱起,形象十分生动别致。1904年以后,莫奈又画了48张睡莲画作,这里已经没有了小桥,池内的睡莲更加简练,有的时候天空看不见,水画得很深沉。展览获得了巨大的成功,当时的评论家不再吝惜他们的赞美:我们认为较早的那些组画不能够和这些非凡的池塘景色相比。
煎饼磨坊的舞会(Dance at Le Moulin de la Galette)
皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿(Pierre Auguste Renoir)
1876年
法国巴黎,奥赛美术馆
皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿是印象派的杰出代表,少年从事绘画瓷器和屏风的工作将他引入了艺术领域,后又到专业的美术学校进行学习,他擅长描绘人物肖像,尤其喜爱在悠闲惬意的环境中描绘丰满明快的人物造型,作品风格充满温馨祥和的家庭气氛,能够让人忘记痛苦和烦恼,《煎饼磨坊的舞会》就是这一类型画作的代表。
该作品描绘的背景是一家蒙马特高地的酒馆,一群悠闲的巴黎贵族在舞会上消遣娱乐,狂欢中的人们脸上都充满了欢快明亮的笑容,表达着他们喜悦的心情和无忧无虑的生活情趣。由于画家早年接受瓷器绘画的训练,这幅作品就体现出类似瓷器绘画般的棉絮风格,这种风格虽然令画面带有速写的感觉,仿佛尚未完成,但正是这种手法才能够表现出光与影的混合效果以及由于人群不断旋转而引起的阳光不断变幻的效果。画家采用从上向下俯视的取景,仅仅对前景中的人物进行了细节描绘,而且透过树梢的阳光照在人们的脸上又呈现出不同于直射的光影,人物被阳光所包围,透露出一派欢快明亮的色调,远处的人物则渐渐隐没在阳光和空气之中。
船上的午宴(Luncheon of the Boating Party)
皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿(Pierre Auguste Renoir)
18801881年
美国华盛顿,菲利普美术馆
《船上的午宴》是雷诺阿最知名最伟大的作品。邓肯·菲利普在1923年买下了它。画中描绘了雷诺阿和他的朋友们聚餐时的快乐场景。在塞纳河边的Maison Fournaise餐馆的阳台上,共品葡萄酒,愉快地交谈。巴黎人常常去Maison Fournaise餐馆,租船游玩,或品尝美食,或在夜间消遣。
这幅画也表现了19世纪中期到晚期法国的社会转变。餐馆欢迎各种不同阶级的顾客光临,包括商人、上流社会的贵妇、画家、女演员、作家、评论家、女裁缝,以及女售货员。这些各式各样的人们共同组成了崭新的现代的巴黎社会。
粉红色的连衣裙(La Robe rose)
让·弗雷德里克·巴齐耶(Frédéric Bazille)
1864年
法国巴黎,奥赛美术馆
弗雷德里克·巴齐耶画室(The Artist's Studio- Rue de la Condamine)
让·弗雷德里克·巴齐耶(Frédéric Bazille)
1870年
法国巴黎,奥赛美术馆
在弗雷德里克·巴齐耶的画室里,他正向莫奈和马奈(戴帽者)展示自己的画作。右边弹钢琴的是梅特尔。左边坐在楼梯下的雷诺阿正在和楼梯上的佐拉交谈。这里记录了一个珍贵的场景,聚集在这里的朋友们,都是后来最重要的艺术家。巴齐耶的用色十分丰富,注重造型,轮廓清晰、写实,这是巴齐耶独特的风格。
卡萨特自画像(Self-portrait by Mary Cassatt)
玛丽·斯蒂文森·卡萨特(Mary Stevenson Cassatt)
1878年
美国纽约,大都会艺术博物馆
卡萨特与茶(Tea by Mary Cassatt)
玛丽·斯蒂文森·卡萨特(Mary Stevenson Cassatt)
1880年
美国波士顿,波士顿美术博物馆
玛丽·卡萨特(18441926),美国画家和图形艺术家。玛丽·卡萨特出生于宾夕法尼亚的阿勒根尼(今属匹兹堡)。曾在宾夕法尼亚艺术学院短暂学习。1866年,她前往欧洲。她在法国、意大利和西班牙学习艺术。19世纪70年代早期,她定居巴黎。她是唯一一个被法国印象派画家邀请参加作品展的美国人。
浴女们(Bathers)
保罗·塞尚(Paul Cézanne)
1890年
美国费城,费城艺术博物馆
有苹果的静物(paintings of still life)
保罗·塞尚(Paul Cézanne)
18951898年
美国波士顿,波士顿美术博物馆
塞尚的油画《有苹果的静物》创作于18951898年间。《有苹果的静物》证明了静物画可以真实地再现实体和表现光线与空间的表象。塞尚说:描绘自然不是复制对象,它实现了人的感觉。他坚持关注颜色和质地的特性,不以幻觉为目的。例如,盘子里水果的边线是不确定的,仿佛在移动。画面中透视的规则也被打破了,桌子的右角向一边倾斜,与左边不在一条线上。画面的有些部分没有着色,桌布的褶皱像没有画完。《有苹果的静物》不是对实物的模仿,而是对观察角度和绘画本质的探索。
罗纳河上的星夜(Starry Night Over the Rhone)
文森特·梵高(Vincent Van Gogh)
1888年
法国巴黎,奥赛美术馆
画中的桥位于梵高在亚尔勒的住宅黄色小屋附近。他在罗纳河画了许多作品,这时期的星空与梵高晚期在圣雷米的星空有相当大的差异,当时他的精神处于不稳定的状态,也或许正因为如此,在梵高感性超越理性的时候,才能这么鲜明地把他的情绪融入画中。
在梵高创作油画《罗纳河上的星夜》的这一时期,梵高的内心并不平静,因为作品得不到别人肯定,身体的疾病又困扰着他,所以梵高的不安及焦虑明显地流露在画面上。梵高用短短的笔触,排列成螺旋状的造形来表现画的主题。
向日葵(Sunflowers)
文森特·梵高(Vincent Van Gogh)
1889年
荷兰阿姆斯特丹,梵高美术馆
自画像(Self-Portrait)
文森特·梵高(Vincent Van Gogh)
1889年
美国华盛顿,美国国家美术馆
星夜(The Starry Night)
文森特·梵高(Vincent Van Gogh)
1889年
美国纽约,现代艺术博物馆
梵高是荷兰后印象派的伟大画家,他的作品色彩强烈、色调明亮、有着宿命般的悲剧情调,这与他激烈的性格、多舛的命运和癫狂的精神密不可分,他自己曾说:为了艺术,我愿拿自己的生命去冒险。由于它,我的理智有一半崩溃了,不过这都没关系。这就是他对艺术所具有的使命感,不论他的画风如何改变,不变的是他对于艺术的信念,他深信艺术应当关心现实的问题,探索如何唤醒良知,改造世界。
梵高创作《星夜》时,居住于圣雷米疗养院,当时他的病情时好时坏,神志清醒时就不停地画画,因此这一时期的作品都充满着躁动的曲线和不安的幻觉,《星夜》所表现的正是这种情绪,作品运用歪曲的长线和破碎的短线构建了虚幻而美妙的夜空景象,碧蓝色的天空中是带有漩涡的云、明亮的星星和一轮弯月,它们翻卷、动荡,爆发出汹涌的激流,回旋的曲线深深地吸引着人们的视线,将人们引领到画家的精神领域,体会画家那颗极速跳动却又渴望平静的心。星夜下山脉旁安静的小村庄,它在尖顶教堂的保护下仿佛沉睡中的婴孩,安然而祥和,与骚动不安的夜空形成对比,也互为制约。画面左侧直上云端的丝柏树化身为红褐色的火焰,跳动着黑色的火舌,喻示着画家燃烧的激情和想要冲破世俗樊篱的渴望,但丝柏树的最高点却无法到达画布的顶端,更无法冲破画布的限制,这暗示着画家无法逃脱人世间的痛苦,只能不断地困惑、挣扎、苦闷、哀伤,在绝望中渴望看到希望,在希望中却又感受到绝望的无奈心情。
《星夜》是梵高在现实中看到的幻想,是他心中的宇宙,他的画笔完全听从于他的直觉,超越了理性的思想和绘画技法的束缚,使用浓烈的蓝色、紫罗兰色和黄色来宣泄他心中躁动不安却无处发泄的情绪,正如画家自己所说:我的作品就是我的肉体和灵魂,为了它我甘冒失去生命和理智的危险。而梵高也只能活在自己的精神世界中,对外界的恐惧让他表面平静,内心却暗潮汹涌,最后也只能以自杀的方式来告别这个让他痛苦的世界。
马提尼克岛的芒果(Among the Mangoes at Martinique)
保罗·高更(Paul Gauguin)
1887年
荷兰阿姆斯特丹,梵高美术馆
加勒比海的马提尼克岛提供给保罗·高更田园般的未遭破坏的环境。他画了当地人的日常生活,女性的优雅动作令他印象深刻:她们的姿势很特别,她们的手发挥了重要作用,在和谐地摇摆臀部。
高更用富有表现力的笔触和暖色来捕捉他所处的新环境。《马提尼克岛的芒果》还有一些印象派的感觉,但异国情调、装饰风格和引人注目的成分是高更后来的风格特征。热带岛屿的原始条件让人们付出了代价:高更遭受了严重的发热和痢疾,在虚弱的状态下回到法国。抵达巴黎后不久,他会见了梵高兄弟,他们对这幅画都留下了很深的印象。文森特后将其描述为高诗(high poetry)。
海滨两女人塔希提岛的女人(Tahitian Women, or On the Beach)
保罗·高更(Paul Gauguin)
1891年
法国巴黎,奥赛美术馆
1891年高更初到塔希提岛时绘制的一幅布面油画,描绘的是两名躺在沙滩上的塔希提岛妇女。此画收藏于巴黎的奥塞美术馆。1892年高更又绘制了一幅与此画极为相似的作品,后者现藏于德累斯顿的现代大师画廊。
菩萨(The Buddha)
奥蒂诺·雷东(Odilon Redon)
1904年
法国巴黎,奥赛博物馆
奥蒂诺·雷东的这件作品《菩萨》描绘的是一位东方的菩萨,这种题材在西方绘画中并不多见。作品以幻觉世界的思维方式,表现了东方宗教中先知先觉者宁静、祥和的形象。画中的菩萨双目微闭与沉默无语的表情,对现实世界具有启示作用。
独眼巨人(The Cyclops)
奥蒂诺·雷东(Odilon Redon)
1914年
荷兰奥特洛,库勒慕勒美术馆
雷东是法国极具影响力的印象派画家,他在美学上主张发挥想象而不依靠视觉印象,他笔下的物像与现实当中的物像有着很大的差别。这件《独眼巨人》取材于古希腊神话,是他艺术创作第二时间新雷东时期的作品。作品中的独眼巨人是古希腊神话中的库克罗普斯,画面上独眼巨人正从地上爬出来,这个裸体女性是欢乐的象征,雷东用这个巨人的形象来象征生命的原始欲望的巨大力量。
END
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19世纪中期是现实主义美术蓬勃兴旺的时期。法国画家库尔贝是现实主义的倡导者,他的代表作《奥南的葬礼》堪称绘画中的人间喜剧,而《石工》则深刻揭示了社会的矛盾,表现了作者对劳动人民的同情。勤劳朴实的农民画家米勒,以醇厚真挚的感情歌颂了辛勤劳作的农民。
政治讽刺画家杜米埃创作了大量思想深刻而形象夸张的石版画和油画。德国女版画家柯勒惠支,以社会民主主义思想和鲜明的个人风格创作了反映工人运动和农民革命的系列铜版画和石版画。俄罗斯的批判现实主义产生了列宾、苏里科夫等杰出画家。法国雕塑大师罗丹的作品也具有一定的现实主义特质。
19世纪后期在法国产生了印象派。此派绘画以创新的姿态出现,它反对当时已经陈腐的古典学院派的艺术观念和法则,受到现代光学和色彩学的启示,注重在绘画中表现光的效果。代表画家有马奈、莫奈、雷诺阿、德加、毕沙罗、西斯莱等。
继印象派之后还出现了新印象派(代表画家是修拉和西涅克)和后印象派(代表画家是塞尚、梵高和高更)。而实际上后印象派与印象派在艺术主张上并不相同,甚至完全相反。其中梵高的绘画着力于表现自己强烈的情感,色彩明亮、线条奔放。高更的画多具有象征性的寓意、装饰性的线条和色彩。塞尚的绘画则追求几何性的形体结构,他因而被尊称为现代艺术之父。
巴黎蒙特戈依街道,1878年6月30日节日
(The Rue Montorgueil in Paris. Celebration of June 30, 1878)
克劳德·莫奈(Claude Monet)
1878年
法国巴黎,奥赛美术馆
阳光照耀下鲁昂大教堂的西面(Rouen Cathedral, West Faade, Sunlight)
克劳德·莫奈(Claude Monet)
1894年
美国华盛顿,美国国家美术馆
日本桥和睡莲池(The Japanese Footbridge and the Water Lily Pool, Giverny)
克劳德·莫奈(Claude Monet)
1899年
英国伦敦,英国国家美术馆
克劳德·莫奈(Claude Monet,18401926),法国画家,印象派代表人物和创始人之一。是印象主义大师中最有影响的一位。在有代表性的印象派画家中,唯有莫奈以其86岁的漫长人生始终如一地将创作热情倾注在印象派技法上。其他的印象派画家,都是短期的探索者。比如虽然没有参加过印象派8次画展却被视为印象派的领袖和奠基人的画家马奈。再比如擅长于画人物的雷诺阿在他的艺术人生中,前期和后期是从事印象派探索时期,中间十几年的时间里,则将热情转向了古典主义。
莫奈展出的第一批12张睡莲池塘作品,当时作品中还有日本式的小桥,它从苍翠遮天的树丛中拱起,形象十分生动别致。1904年以后,莫奈又画了48张睡莲画作,这里已经没有了小桥,池内的睡莲更加简练,有的时候天空看不见,水画得很深沉。展览获得了巨大的成功,当时的评论家不再吝惜他们的赞美:我们认为较早的那些组画不能够和这些非凡的池塘景色相比。
煎饼磨坊的舞会(Dance at Le Moulin de la Galette)
皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿(Pierre Auguste Renoir)
1876年
法国巴黎,奥赛美术馆
皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿是印象派的杰出代表,少年从事绘画瓷器和屏风的工作将他引入了艺术领域,后又到专业的美术学校进行学习,他擅长描绘人物肖像,尤其喜爱在悠闲惬意的环境中描绘丰满明快的人物造型,作品风格充满温馨祥和的家庭气氛,能够让人忘记痛苦和烦恼,《煎饼磨坊的舞会》就是这一类型画作的代表。
该作品描绘的背景是一家蒙马特高地的酒馆,一群悠闲的巴黎贵族在舞会上消遣娱乐,狂欢中的人们脸上都充满了欢快明亮的笑容,表达着他们喜悦的心情和无忧无虑的生活情趣。由于画家早年接受瓷器绘画的训练,这幅作品就体现出类似瓷器绘画般的棉絮风格,这种风格虽然令画面带有速写的感觉,仿佛尚未完成,但正是这种手法才能够表现出光与影的混合效果以及由于人群不断旋转而引起的阳光不断变幻的效果。画家采用从上向下俯视的取景,仅仅对前景中的人物进行了细节描绘,而且透过树梢的阳光照在人们的脸上又呈现出不同于直射的光影,人物被阳光所包围,透露出一派欢快明亮的色调,远处的人物则渐渐隐没在阳光和空气之中。
船上的午宴(Luncheon of the Boating Party)
皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿(Pierre Auguste Renoir)
18801881年
美国华盛顿,菲利普美术馆
《船上的午宴》是雷诺阿最知名最伟大的作品。邓肯·菲利普在1923年买下了它。画中描绘了雷诺阿和他的朋友们聚餐时的快乐场景。在塞纳河边的Maison Fournaise餐馆的阳台上,共品葡萄酒,愉快地交谈。巴黎人常常去Maison Fournaise餐馆,租船游玩,或品尝美食,或在夜间消遣。
这幅画也表现了19世纪中期到晚期法国的社会转变。餐馆欢迎各种不同阶级的顾客光临,包括商人、上流社会的贵妇、画家、女演员、作家、评论家、女裁缝,以及女售货员。这些各式各样的人们共同组成了崭新的现代的巴黎社会。
粉红色的连衣裙(La Robe rose)
让·弗雷德里克·巴齐耶(Frédéric Bazille)
1864年
法国巴黎,奥赛美术馆
弗雷德里克·巴齐耶画室(The Artist's Studio- Rue de la Condamine)
让·弗雷德里克·巴齐耶(Frédéric Bazille)
1870年
法国巴黎,奥赛美术馆
在弗雷德里克·巴齐耶的画室里,他正向莫奈和马奈(戴帽者)展示自己的画作。右边弹钢琴的是梅特尔。左边坐在楼梯下的雷诺阿正在和楼梯上的佐拉交谈。这里记录了一个珍贵的场景,聚集在这里的朋友们,都是后来最重要的艺术家。巴齐耶的用色十分丰富,注重造型,轮廓清晰、写实,这是巴齐耶独特的风格。
卡萨特自画像(Self-portrait by Mary Cassatt)
玛丽·斯蒂文森·卡萨特(Mary Stevenson Cassatt)
1878年
美国纽约,大都会艺术博物馆
卡萨特与茶(Tea by Mary Cassatt)
玛丽·斯蒂文森·卡萨特(Mary Stevenson Cassatt)
1880年
美国波士顿,波士顿美术博物馆
玛丽·卡萨特(18441926),美国画家和图形艺术家。玛丽·卡萨特出生于宾夕法尼亚的阿勒根尼(今属匹兹堡)。曾在宾夕法尼亚艺术学院短暂学习。1866年,她前往欧洲。她在法国、意大利和西班牙学习艺术。19世纪70年代早期,她定居巴黎。她是唯一一个被法国印象派画家邀请参加作品展的美国人。
浴女们(Bathers)
保罗·塞尚(Paul Cézanne)
1890年
美国费城,费城艺术博物馆
有苹果的静物(paintings of still life)
保罗·塞尚(Paul Cézanne)
18951898年
美国波士顿,波士顿美术博物馆
塞尚的油画《有苹果的静物》创作于18951898年间。《有苹果的静物》证明了静物画可以真实地再现实体和表现光线与空间的表象。塞尚说:描绘自然不是复制对象,它实现了人的感觉。他坚持关注颜色和质地的特性,不以幻觉为目的。例如,盘子里水果的边线是不确定的,仿佛在移动。画面中透视的规则也被打破了,桌子的右角向一边倾斜,与左边不在一条线上。画面的有些部分没有着色,桌布的褶皱像没有画完。《有苹果的静物》不是对实物的模仿,而是对观察角度和绘画本质的探索。
罗纳河上的星夜(Starry Night Over the Rhone)
文森特·梵高(Vincent Van Gogh)
1888年
法国巴黎,奥赛美术馆
画中的桥位于梵高在亚尔勒的住宅黄色小屋附近。他在罗纳河画了许多作品,这时期的星空与梵高晚期在圣雷米的星空有相当大的差异,当时他的精神处于不稳定的状态,也或许正因为如此,在梵高感性超越理性的时候,才能这么鲜明地把他的情绪融入画中。
在梵高创作油画《罗纳河上的星夜》的这一时期,梵高的内心并不平静,因为作品得不到别人肯定,身体的疾病又困扰着他,所以梵高的不安及焦虑明显地流露在画面上。梵高用短短的笔触,排列成螺旋状的造形来表现画的主题。
向日葵(Sunflowers)
文森特·梵高(Vincent Van Gogh)
1889年
荷兰阿姆斯特丹,梵高美术馆
自画像(Self-Portrait)
文森特·梵高(Vincent Van Gogh)
1889年
美国华盛顿,美国国家美术馆
星夜(The Starry Night)
文森特·梵高(Vincent Van Gogh)
1889年
美国纽约,现代艺术博物馆
梵高是荷兰后印象派的伟大画家,他的作品色彩强烈、色调明亮、有着宿命般的悲剧情调,这与他激烈的性格、多舛的命运和癫狂的精神密不可分,他自己曾说:为了艺术,我愿拿自己的生命去冒险。由于它,我的理智有一半崩溃了,不过这都没关系。这就是他对艺术所具有的使命感,不论他的画风如何改变,不变的是他对于艺术的信念,他深信艺术应当关心现实的问题,探索如何唤醒良知,改造世界。
梵高创作《星夜》时,居住于圣雷米疗养院,当时他的病情时好时坏,神志清醒时就不停地画画,因此这一时期的作品都充满着躁动的曲线和不安的幻觉,《星夜》所表现的正是这种情绪,作品运用歪曲的长线和破碎的短线构建了虚幻而美妙的夜空景象,碧蓝色的天空中是带有漩涡的云、明亮的星星和一轮弯月,它们翻卷、动荡,爆发出汹涌的激流,回旋的曲线深深地吸引着人们的视线,将人们引领到画家的精神领域,体会画家那颗极速跳动却又渴望平静的心。星夜下山脉旁安静的小村庄,它在尖顶教堂的保护下仿佛沉睡中的婴孩,安然而祥和,与骚动不安的夜空形成对比,也互为制约。画面左侧直上云端的丝柏树化身为红褐色的火焰,跳动着黑色的火舌,喻示着画家燃烧的激情和想要冲破世俗樊篱的渴望,但丝柏树的最高点却无法到达画布的顶端,更无法冲破画布的限制,这暗示着画家无法逃脱人世间的痛苦,只能不断地困惑、挣扎、苦闷、哀伤,在绝望中渴望看到希望,在希望中却又感受到绝望的无奈心情。
《星夜》是梵高在现实中看到的幻想,是他心中的宇宙,他的画笔完全听从于他的直觉,超越了理性的思想和绘画技法的束缚,使用浓烈的蓝色、紫罗兰色和黄色来宣泄他心中躁动不安却无处发泄的情绪,正如画家自己所说:我的作品就是我的肉体和灵魂,为了它我甘冒失去生命和理智的危险。而梵高也只能活在自己的精神世界中,对外界的恐惧让他表面平静,内心却暗潮汹涌,最后也只能以自杀的方式来告别这个让他痛苦的世界。
马提尼克岛的芒果(Among the Mangoes at Martinique)
保罗·高更(Paul Gauguin)
1887年
荷兰阿姆斯特丹,梵高美术馆
加勒比海的马提尼克岛提供给保罗·高更田园般的未遭破坏的环境。他画了当地人的日常生活,女性的优雅动作令他印象深刻:她们的姿势很特别,她们的手发挥了重要作用,在和谐地摇摆臀部。
高更用富有表现力的笔触和暖色来捕捉他所处的新环境。《马提尼克岛的芒果》还有一些印象派的感觉,但异国情调、装饰风格和引人注目的成分是高更后来的风格特征。热带岛屿的原始条件让人们付出了代价:高更遭受了严重的发热和痢疾,在虚弱的状态下回到法国。抵达巴黎后不久,他会见了梵高兄弟,他们对这幅画都留下了很深的印象。文森特后将其描述为高诗(high poetry)。
海滨两女人塔希提岛的女人(Tahitian Women, or On the Beach)
保罗·高更(Paul Gauguin)
1891年
法国巴黎,奥赛美术馆
1891年高更初到塔希提岛时绘制的一幅布面油画,描绘的是两名躺在沙滩上的塔希提岛妇女。此画收藏于巴黎的奥塞美术馆。1892年高更又绘制了一幅与此画极为相似的作品,后者现藏于德累斯顿的现代大师画廊。
菩萨(The Buddha)
奥蒂诺·雷东(Odilon Redon)
1904年
法国巴黎,奥赛博物馆
奥蒂诺·雷东的这件作品《菩萨》描绘的是一位东方的菩萨,这种题材在西方绘画中并不多见。作品以幻觉世界的思维方式,表现了东方宗教中先知先觉者宁静、祥和的形象。画中的菩萨双目微闭与沉默无语的表情,对现实世界具有启示作用。
独眼巨人(The Cyclops)
奥蒂诺·雷东(Odilon Redon)
1914年
荷兰奥特洛,库勒慕勒美术馆
雷东是法国极具影响力的印象派画家,他在美学上主张发挥想象而不依靠视觉印象,他笔下的物像与现实当中的物像有着很大的差别。这件《独眼巨人》取材于古希腊神话,是他艺术创作第二时间新雷东时期的作品。作品中的独眼巨人是古希腊神话中的库克罗普斯,画面上独眼巨人正从地上爬出来,这个裸体女性是欢乐的象征,雷东用这个巨人的形象来象征生命的原始欲望的巨大力量。
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